Luces difusas

miércoles, 17 de septiembre de 2014

Angustia (Bigas Luna, 1987)

"John es oftalmólogo y tiene una curiosa afición: colecciona ojos. Su madre ejerce sobre él un fuerte dominio psicológico. Precisamente, por orden de su madre, va a un cine, donde coincide con dos amigas, Linda y Patricia. El efecto hipnótico de la película ejerce sobre ellos una extraña influencia." (Filmaffinity)

De Bigas Luna tan solo ví algunos cortos algo mediocres y la patética "Yo soy la Juani", de las peores películas que he visto en mi vida. Desde hace tiempo tenía "Angustia" esperando por esos terribles antecedentes, pero me aventuré con ella y... ¡qué pelicula!

En la reciente entrada sobre "Los sin nombre" afirmé que existen pocas películas de terror con un gran guión y que llamen la atención por algo más que sus sustos; "Angustia" es una de esas pocas. Es realmente interesante y original (siempre habrá precedentes, pero bueno) el juego que se plantea al espectador y esa compleja inmersión en el metalenguaje.

Normalmente no suelo desvelar gran parte del argumento de las películas en mis entradas, pero en este caso lo haré, así que recomiendo a aquellos que no hayan visto la película no seguir leyendo.

La película comienza con la historia de John, un oftalmólogo que vive con su madre en una casa repleta de cuervos, caracoles, palomas y demás elementos con una gran carga simbólica. La madre le practica extrañas sesiones de hipnosis tras las que dirige y se comunica telepáticamente con su hijo mientras este sale a la caza de nuevos ojos para su colección; mientras tanto todo aquello que escucha John también lo escucha su madre a través de una caracola.
Poco después vemos una pantalla de cine en la que se está proyectando la película protagonizada por John, a continuación la cámara se centra en dos espectadoras, dos jovencitas, Patty la más sugestionable cada vez más aterrorizada por lo que está viendo.
A continuación tenemos un tramo en el que se va intercalando la película de John con las reacciones de las dos chicas y el resto de espectadores de la misma.
John decide entrar en un cine donde proyectan la versión de 1925 de "El mundo perdido" y comienza a atacar a los espectadores para conseguir sus globos oculares.
Al no poder soportar la angustia de que algo así pueda ocurrir en la sala Patty decide salir del cine dejando sola a su amiga Linda.

Es en ese momento cuando se establece un paralelismo entre lo que ocurre en la sala dónde está John y aquella en la que se encuentra Linda. Un espectador obsesionado con la película comienza a reproducir los actos realizados por John haciendo que reine el pánico en el cine.

Hasta ese momento la película me estaba pareciendo perfecta, ni un solo defecto, una obra poderosísima. Por desgracia Linda al ver el caos que se está formando decide salir del cine a pedir ayuda, rompiendo por completo las leyes sobre el entorno que se habían creado.
Es ahí cuando la película comienza a decaer, no sólo se rompe el entorno, sino también la correspondencia entre las dos historias, vemos que por un lado John actua sigilosamente y sin exponerse mientras que en la otra el loco sujeta a Patty durante un largo tiempo sin que nadie se percate. Otro apartado que se desmonta es que se desconocen las motivaciones del loco, se sabe que actua por la fascinación que siente por la película, pero sus actos dejan de corresponderse con los de John, y tampoco tiene detrás una madre obsesiva que le dirija.

Todo esto podría tener un pase, pero falta lo peor, el conflicto del cine se resuelve con la americanada de los SWAT, helicópteros y ambulancias que matan al psicópata y rescatan a las chicas, un horror y  error tremendo a todos los niveles.

La película termina con Patty ingresada en un hospital al que acude John para sacarle los ojos. Tras el grito de la chica el plano retrocede para mostrarnos una sala de cine en la que se está proyectando esa secuencia.

Una propuesta interesantísima, rica y compleja que podría haber sido redonda de no ser por el último tramo.

Me encantaría ver esta película en el cine, echaré una solicitud en el buzón de sugerencias de la filmoteca de Madrid, puede ser toda una experiencia ver "Angustia" en una sala.

Nominada en varias categoría de los "Premios Luces difusas (1987)", cómo dije de no ser por el tramo final la nota sería más alta y no sólo estaría nominada, sino que sería ganadora en varios apartados. 8/10

martes, 16 de septiembre de 2014

Me gradué, pero... [大学は出たけれど] (Yasujiro Ozu, 1929)

"Tras licenciarse Tetsuo busca trabajo, la única oferta que recibe es la de ser recepcionista en una empresa, la cual rechaza por considerar que merece un puesto más importante.
Para no preocupar a su esposa le cuenta que tiene un buen trabajo dentro de una importante empresa, teniendo que pasar las tardes paseando por la ciudad para que su entorno crea que está trabajando."
Otro de los primeros largometrajes de Ozu de los que por desgracia se conservan unos pocos minutos, 11 de los 70 originales.
¡Pero qué once minutos!

Por suerte con el material disponible se puede configurar una buena sinopsis de lo que habría sido la película, tenemos el comienzo en el que Tetsuo no consigue un trabajo y rechaza la oferta de ser recepcionista. A continuación le visita su novia con la que más adelante contrae matrimonio (esto no aparece), luego vemos a Tetsuo jugando con unos niños en el parque haciendo tiempo. Y por último decide aceptar la oferta que rechazó en un principio, por ver que su mujer es la única que trae dinero a casa con su trabajo de camarera.
Falta muchísimo material, pero con el que hay se puede afirmar que la obra completa debió ser maravillosa, así que le pongo un 8/10.

lunes, 15 de septiembre de 2014

La melodía del amor [Lady of the pavements] (David Wark Griffith, 1929)

"Karl, un diplomático alemán afincado en Paris, descubre que su prometida, Diane, le ha estado engañando. Le dice que preferiría casarse con una "chica de la calle" antes que con ella. Diane, ultrajada, decide contratar una bailarina española de mala reputación, para convertirla en una chica refinada y concertar una cita con Karl." (Filmaffinity)

Última película muda de Griffith, parece ser que tenía una pista musical, pero las versiones que quedan son completamente mudas.
He de confesar que este es el primer largometraje completo que veo de Griffith, anteriormente ví partes de "Intolerancia" y "El nacimiento de una nación" pero el mensaje algo rancio que transmitían (especialmente la segunda) me quitaron las ganas de seguir.

Algo así me estaba pasando con "La melodía del amor", aunque al acabar la sensación es bastante agradable. Me explico, unos nobles contratan a Nanon, una cabaretera española a la que 'educan' para que tenga los modales suficientes para poder ocultar sus orígenes a Karl y así poder enamorarle.
Todo el reclutamiento ya es bastante lamentable, el rico llega al cabaret 'El perro que fuma' y consigue que Nanon hable con ella tirando una moneda al suelo, algo a lo que Nanon no es capaz de resistirse. Una vez la tiene sentada en la misma mesa le invita a comer platos de todo tipo y a continuación le enseña un fajo de billetes para que la chica se vea cegada por tanto potencial económico.

Lo peor llega durante la etapa educativa, dos hombres se encargan de convertir a la que llaman una 'foca amaestrada' en una dama. El comportamiento de la chica es similar al de un mono al que quieren civilizar, no deja de dar saltos, rascarse y demás, dando la impresión de que uno por ser pobre es idiota.

El tema es que una vez pasado todo esto el resto de la película (especialmente el tramo final) parece querer desmontar todo lo visto anteriormente y ridiculizar todo el absurdo protocolo y las maneras impostadas de los ricos, quedando la sensación de que el objetivo era apoyar a Nanon y la gente humilde.

La dirección de Griffith es muy buena, excelente puesta en escena, planificación y ritmo de montaje, pausado y armonioso.
Son muy interesantes los detalles visuales de la cinta, la imagen recurrente de la estatua del perro que fuma que tanto recuerda Nanon para tener presentes sus origenes, símbolo similar al trineo de "Ciudadano Kane". También es muy bueno el detalle con el que Griffith explica que Karl comienza a enamorarse de Nanon; al principio de la cinta vemos a Karl escribiendo varias veces el nombre Diane en una libreta mientras asiste a una reunión. Tras conocer a Nanon, Karl en otra reunión escribe en esa misma libreta otro nombre, Nanon. Es muy gratificante esa precisión narrativa del cine mudo, evitando largas explicaciones de la trama y reduciendo lo que podría ser un largo discurso a un par de imagenes, igual que la rosa que Karl entrega a Nanon para que el espectador sepa que basta con que ella se la devuelva para que sepamos que acepta casarse.

Uno al acabar tiene la sensación de haber visto una película hermosísima que retrata una sociedad clasista, pero que no tiene porqué apoyarla y que Karl en el fondo es un buen hombre al que no solo no le importan los origenes de la mujer a la que ama, sino que acaba formando parte de ese mundo, quizás de forma artificial cómo ocurre con el maravilloso paseo por la feria del emperador en "La emperatriz Yang Kwei-Fei" de Mizoguchi, pero lo mismo ocurrió con la llegada de Nanon a unos ambientes desconocidos.

Nominada en los "Premios Luces difusas (1925-1929)". 8/10

Unidos en la pelea [和製喧嘩友達] (Yasujiro Ozu, 1929)

"Dos jovenes comparten experiencias en un barrio humilde de Tokyo.
Un día encuentran en la carretera a una mujer accidentada a la que recogen y convierten en su criada.
Con el paso de los días ambos comienzan a enamorarse de ella."
 
 Seguimos con los clásicos de Ozu, esta vez por suerte con una obra completa, un cortometraje de 14 minutos de duración. 

La planificación es muy curiosa, plagada de planos en movimiento dentro de coches o de trenes, así cómo planos muy interesantes (y más teniendo en cuenta el año) que simulan fotogramas de película con los bordes de las ventanas de un tren mientras la cámara sigue a una furgoneta. Similar a lo que se puede ver en "El aficionado" de Krzysztof Kieslowski cuando Filip Mosz viajando en tren descubre que es incapaz de ver el mundo real sin visualizarlo cómo una cámara de cine.

La verdad es que el estilo en cuanto a montaje y planificación es algo americano, siempre con su toque pero aún no imprimía su estilo característico a todo el metraje.

Muy buen cortometraje, quizás los acontecimientos se desarrollan algo precipitadamente, pero es interesante, entretenido y con unos planos muy hermosos. 7/10

domingo, 14 de septiembre de 2014

Flowergirl (Cate Shortland, 1999)

"Cortometraje que cuenta el verano de un chico enamorado de su compañera de piso a la que graba constantemente"

Cortometraje bastante desconocido, lo ví por casualidad por ver algo de Australia, país del que no he visto practicamente nada.

Se trata resumidamente de otro acercamiento más del cine indie al cine de Wong Kar-Wai, director que ha influenciado a cientos de directores actuales. El problema es que sólo ha trascendido el apartado visual de sus obras, la publicidad, la moda y todas las películas de este tipo copian las imagenes de su cine, pero olvidan todo lo demás.

En definitiva, un corto sobre dos japoneses en Australia, muy raritos ellos, muy especiales, que es lo que tanto gusta a los directores no japoneses de estos, que ella sea moderna, tenga un piercing en el labio, el pelo corto, y el otro sea tímido y la grabe a escondidas, para luego ver las imagenes y imaginarse una vida a su lado o qué se yo.

También tenemos esa voz en la que el protagonista nos cuenta sus cosas, que es vegetariano pero trabajará en la carnicería de sus padre en Japón (algo que no entienden sus amigos), que es verano, que hace calor, que se va a ir a surfear, que lo está pasando bien, etc. La típica disertación de los personajes del cine de WKW pero sin ningún interés.
Cine para chicas adictas al instagram y a Lana del Rey. 5/10

Los sin nombre (Jaume Balagueró, 1999)

"Cinco años después del asesinato de una niña, cuando ya su madre parecía haber empezado a estabilizarse, una llamada telefónica vuelve a sacudir su existencia: "Mamá, soy yo... Ven a buscarme". Ayudada por un periodista experto en temas de ocultismo, la madre busca desesperadamente la aterradora verdad que ha permanecido oculta hasta el momento: un grupo de gente que se esconde, que rechaza su propio nombre, que conoce la ciencia empírica del mal, casas abandonadas y aisladas que esconden secretos: una trampa de una maldad abominable." (Filmaffinity)

Ví esta película por primera vez a principios del 2000, la alquilé en un videoclub y la ví en casa de mi padre, no sé si con él. Teniendo en cuenta que tendría unos diez años me marcó bastante.

Hace unas semanas la volví a ver en casa de un amigo en Barcelona y me volvió a parecer una de las mejores películas de terror que he visto.

No creo que vea algo más de Balagueró, ya ví todos sus cortometrajes y ninguno es gran cosa (el primero, "Alicia", tiene su aquél), también la primera parte de REC que me pareció una película pasable. Creo que el fuerte de "Los sin nombre" es ser su ópera prima, una película pequeña.

No soy un gran aficionado al cine de terror, generalmente no suelen ser gran cosa a nivel cinematográfico y juegan con argumentos vistos mil y una veces desarrollados a base de sustos uno tras otro. Después existen algunas excepciones cómo "La semilla del diablo" que son grandes películas independientemente del miedo que den.

"Los sin nombre" no tiene practicamente sustos a base de cortes bruscos de montaje acompañados por subidas de volumen, sí que intercala fotogramas desagradables durante alguna escena, pero se le pasa por alto, el cine de terror no estaba tan contaminado como lo está ahora por culpa del terror japonés al que tantos imitan en la actualidad y que ha hecho de esos tics de género una constante inevitable en cualquier película.


Entre sus virtudes se encuentran por encima de todo el inicio de la película con la estremecedora llamada que recibe Claudia de su hija cinco años después de creer que estaba muerta. Ese poderosísimo comienzo ya mantiene el interés del espectador durante gran parte del metraje.
Luego están todas esas mini-secuencias grabadas con una videocámara en las que aparece Claudia jugando en la playa con su hija. Un pasado que capturó su marido y que le sirve a Claudia para poder revivir a su hija.
También me encanta la fotografía y ambientación, ese retrato gris de Barcelona, una ciudad con alma, diferente a cualquier otra, algo difícil de ver en el presente por eso de que el centro de la ciudad se ha convertido en otra ciudad más de souvenirs y turistas, si cortas de la Barceloneta al Raval lo mismo te da estar en Barcelona que en Venecia, la única diferencia que verás es la de que en las terrazas de una comen paella y en las de la otra pasta.

Los defectos que le veo son principalmente dos. Por un lado el tema de las sectas y todo el submundo religioso y satanista que está detrás de la desaparición de la niña; está claro que aporta cierto interés a la trama, pero por otro lado también es algo demasiado recurrente que rompe con la originalidad de otros aspectos de la cinta.
El otro defecto y este sí que es rotundo es el discurso del ex-marido de Claudia cuando ésta va a encontrarse con su hija. Rompe por completo la tensión que cuando nos acercamos al momento cumbre tenga que llegar 'el malo' a explicarnos porqué ha ocurrido todo, cuales son sus razones, qué pretenden, y demás.
9/10

sábado, 13 de septiembre de 2014

La mujer en la luna [Frau im mond] (Fritz Lang, 1929)

"La película dedica su primera parte a analizar las posibilidades de realizar un viaje a la Luna con el fin de encontrar oro. En la segunda, se trata del viaje y de las sorpresas que deparará a los protagonistas." (Filmaffinity)

Extraordinaria película, a menudo eclipsada por la comparación con "Metrópolis", en mi opinión injustamente, "Metrópolis" es colosal, la gran superproducción del cine mudo, una obra que en ocasiones satura y adormece por esa constante grandiosidad, mientras que "La mujer en la luna" es más amable con el espectador, más cercana, más humana.

Personalmente prefiero "La mujer en la luna", no hay porqué compararlas pero me molesta leer críticas que quitan méritos a ésta por esa comparación con los hitos (innegables) de "Metrópolis" o que critican lo alejada que está de la realidad científica, algo con lo que no estoy nada de acuerdo. He dicho en varias ocasiones que una de mis pasiones y puede que la única que me ha acompañado toda la vida es la astronomía, no tengo ni idea de física así que todo se reduce a la teoría, pero considero que esta película es mucho más cercana a la realidad que otras cómo "Metrópolis" que en mi opinión ha envejecido muy mal no cinematográficamente pero sí en cuanto a las ideas científicas que propone.

Está claro que tiene cosas que vistas ahora no tienen ningun sentido, como que la luna tiene una densa atmósfera, que el ambiente es respirable con nuestros pulmones o que en la nave en lugar de ingravidez existe una especie de gravedad inversa, pero en su conjunto y teniendo en cuenta los conocimientos de la época es una película muy acertada, inteligente y con algunas teorías muy interesantes y adelantadas a su tiempo, aunque no se correspondan con la realidad.

Hace algo más de dos meses que ví la película, pero dejé la entrada a medias y perdí una nota, así que ahora me es más difícil recordar qué quería decir de ella. Sólo dar las gracias de nuevo a Antonio del blog Diccineario por descubrirme esta extraordinaria película, en mi opinión de las mejores del cine mudo, formalmente bellísima, interesante y muy amena (sé que en esto algunos no estarán de acuerdo, pero la verdad es que sus casi tres horas de duración se me pasaron volando).

Una película practicamente perfecta, creo que el 'pero' que le ví fue el no aprovechar del todo el tema de la organización maligna en la segunda parte de la película, cuando llegan a la luna. 9/10

domingo, 29 de junio de 2014

El pilluelo [突貫小僧] (Yasujiro Ozu, 1929)

"Un hombre secuestra a un niño para practicar la técnica del secuestro.
Al cabo de unas horas con él descubre que ha sido un error secuestrarle, el niño es demasiado travieso..."

Una de las primeras películas que se conservan de Ozu.
Por eso de contar la historia de un adulto que vive experiencias con un niño recuerda en concepto a películas como "El chico" de Chaplin o "El verano de Kikujiro" de Kitano.

Es una pena que se conserven tan solo 16 minutos de los 40 originales, ya que no puedo dar una opinión definitiva sin ver la obra completa.

Como dato curioso, el secuestrador es Tatsuo Saito, actor que interpretaría unos años más tarde al padre de familia en la maravillosa "He nacido, pero...", y el niño interpretaría al hermano pequeño en esa misma película.

Una simpática película con buena planificación para la época. 6/10
Ficha en la AsiatecaDB


sábado, 28 de junio de 2014

Lluvia [Regen] (Mannus Franken & Joris Ivens, 1929)

""Lluvia" es un poema cinematográfico sobre el comienzo y el fin de una llovizna en Amsterdam, que se fue filmando en muchas capitales del mundo por cineastas vanguardistas en los años de la década de 1920." (Filmaffinity)

La verdad es que me extraña mucho, pero según Filmaffinity parece que ésta es la primera y única película de los Países Bajos que he visto en mi vida...

"Lluvia" es un cortometraje con un gran gusto por detalle y hermosos planos que muestran el agua en todas sus "formas", desde aquellas gotas a la carrera en las ventanas de los trenes, las gotas que van cayendo desde una barandilla, los charcos y sus reflejos, etc. Todo ello acompañado de una buena banda sonora (aunque creo que no es la música original, sino una versión del 2005).

Es bastante curiosa, por un lado te muestra la vida en una ciudad (algo que se vió pocas veces hasta ese momento) y por otro te hace retroceder a la visión del mundo que tenías en la infancia cuando cualquier detalle absorbía tu atención.

Muy interesante. 7/10

lunes, 23 de junio de 2014

Premios Luces difusas (1966)

De momento no voy a avanzar más allá de los premios del año 1987, prefiero ir creando ediciones de años anteriores de los que aún no había visto las películas suficientes cómo para dedicarles una edición. Así que vamos con 1966, un año que no destaca especialmente dentro de la extraordinaria década de los 60 pero que aún así tiene un gran nivel (tengo pendientes varias películas importantes de este año).

He tenido bastantes dudas a la hora de elegir las nominadas en todas las categorías, siempre muy ajustadas, incluso la de mejor actor, la más floja (junto a mejor banda sonora) por no destacar ninguno de ellos especialmente. Al final me he decidido por un actor que si bien interpreta un rol algo secundario lo hace de manera más que correcta. Curiosamente en este año destacaron muy especialmente las actrices, al menos en las películas que he podido ver tienen roles de mayor importancia que los actores, algo nada habitual, y muy gratificante si realizan interpretaciones tan buenas como las de las protagonistas de "Persona", "La mujer del lago" y "Tatuaje" las cuales están muy por encima de las de los cinco actores nominados.

Por último quería destacar la película "Masculin, feminin" que si bien no ha ganado en ninguna categoría es una obra interesantisima.

Por cierto, para los próximos premios habrá cambios en el aspecto de los mismos, intentaré dar una mayor claridad y belleza a cada apartado con colores, tablas y demás.


Mejor película   
Fahrenheit 451 (François Truffaut)
La mujer del lago (Yoshishige Yoshida)
Masculino, femenino (Jean-Luc Godard)
Persona (Ingmar Bergman)
Tatuaje (Yasuzo Masumura)




Mejor dirección
François Truffaut (Fahrenheit 451)
Ingmar Bergman (Persona)
Jean-Luc Godard (Masculino, femenino)
Yasuzo Masumura (Tatuaje)
Yoshishige Yoshida (La mujer del lago)
Mejor guión
Fahrenheit 451
Masculino, femenino
Nueve cartas a Berta
Persona
Tatuaje




Mejor fotografía
Andrei Rublev
Fahrenheit 451
La mujer del lago
Masculino, femenino
Persona





Mejor montaje
Andrei Rublev
La mujer del lago
Masculino, femenino
Persona
Tatuaje




Mejor dirección artística
Andrei Rublev
Fahrenheit 451
La mujer del lago
Persona
Tatuaje




Mejor actor
Akio Hasegawa (Tatuaje)
Anatoly Solonitsyn (Andrei Rublev)
Oskar Werner (Fahrenheit 451)
Paul Newman (Cortina rasgada)
Shigeru Tsuyuguchi (La mujer del lago)




Mejor actriz
Ayako Wakao (Tatuaje)
Bibi Andersson (Persona)
Julie Christie (Fahrenheit 451)
Liv Ullman (Persona)
Mariko Okada (La mujer del lago)




Mejor reparto
Fahrenheit 451
La mujer del lago
Masculino, femenino
Persona
Tatuaje




Mejor banda sonora
Fahrenheit 451
La mujer del lago
Masculino, femenino
Nueve cartas a Berta
Persona




Mejor ambientación
Andrei Rublev
Fahrenheit 451
La mujer del lago
Nueve cartas a Berta
Persona

domingo, 22 de junio de 2014

Tatuaje [Irezumi / 刺青] (Yasuzo Masumura, 1966)

"Otsuya huye de su hogar para refugiarse en casa de Gonji, empresario sin escrúpulos que la engaña y acaba vendiéndola a una casa de geishas. En su nuevo destino, un maestro del tatuaje dibuja sobre su espalda una inmensa araña. Como si el espíritu del insecto tomara posesión de la joven, el deseo irreprimible de venganza se transforma en el centro de su vida. Como la viuda negra tatuada en su espalda, Otsuya arruina la vida de todo hombre que se cruce en su camino." (AsiatecaDB)

Primera película que veo de Yasuzo Masumura, uno de los directores por los que más interés he tenido desde hace años por ver sus películas, pero claro, por esa obsesión que tuve de querer ver toda la filmografía de los directores que me gustaban nunca comencé con la de Masumura, ahora que me doy cuenta que morire antes de ver todo el cine que quiero prefiero ir viendo películas sin importarme tantísimo el no haber visto las anteriores.

Así que aquí estamos, con "Tatuaje" de Masumura, admiradísimo por directores cómo Oshima, Miike o Aoyama, director que se educó cinematográficamente en Italia con profesores cómo Fellini (en esta película se perciben influencias de Fellini en la manera de ambientar e iluminar secuencias cómo la que ocurre en el puente), Visconti o Antonioni, y a su vuelta a Japón como ayudante de dirección de Mizoguchi... ahí es nada, debe ser el tipo con la mejor educación cinematográfica de la historia.

Basada en una novela de Tanizaki cuenta la historia de Otsuya (interpretada por la gran y bellísima actriz Ayako Wakao) que tras ser obligada a prostituirse se convierte en una mujer tremendamente manipuladora y perversa que vuelve locos a sus clientes haciendo que se maten entre ellos por simple sadismo.
No todo se reduce a la interpretación de que la tarántula que tiene tatuada en su espalda le crea esa maldad, ese tatuaje cómo se cree en la cultura japonesa se corresponde con la personalidad de quien la lleva. Existen muchas mujeres así, igual que se puede hablar claramente de la agresividad de muchos hombres parece un problema decir que muchas mujeres buscan un novio al que contarle historias falsas para que le entren celos y se pegue con otros mientras ella disfruta por ser la hembra del macho alfa.

El mundo en el que se desarrolla la película llama la atención por sus personajes, borrachos violadores, perdedores; el erotismo y la violencia descarnada (cómo la escena en la que Shinsuke mata a un hombre apuñalándole en la frente). Es curioso viendo las películas de Mizoguchi en las que casi todos los personajes solían tener una gran dignidad a pesar de sus miserias, aún más en el caso de las geishas tan respetadas por Mizoguchi a las que en este caso Masumura retrata con una gran maldad. En ese sentido guarda bastantes similitudes con el tono trágico y crudo del cine de Fukasaku.

Magnífica película. Nominada a mejor guión, mejor dirección artística, mejor reparto y ganadora del premio a mejor actriz en los "Premios Luces difusas (1965-1969)". 8/10
Ficha en la AsiatecaDB

miércoles, 11 de junio de 2014

Nueve cartas a Berta (Basilio Martín Patino, 1966)

"Años cincuenta. Lorenzo es un estudiante salmantino que acaba de pasar un verano en Inglaterra, donde ha descubierto otras formas de vida y otros horizontes, además de conocer a Berta, hija de un exiliado, por la que se siente atraído. A su regreso, el ambiente tradicional de su familia, sus amigos y su novia le resultan agobiantes. Se agudizan sus inquietudes en cartas dirigidas a esa Berta que quedó en el extranjero..." (Filmaffinity)

Gracias al fantástico blog "Diccineario" recordé esta película que siempre quise ver por la aparición de mi abuelo, interpretando al amigo "afrancesado" del protagonista.

Me he llevado una agradable sorpresa, "Nueve cartas a Berta" es una película interesantísima sobre todo aquello que comenta tan acertadamente la sinopsis y sobre los miedos e inseguridades de la entrada en la edad adulta, la presión que siente Lorenzo por no seguir las convenciones ni estar al nivel que esperan de él, debido a unas nuevas inquietudes que le hacen parecer inmaduro y menos preparado que antes a los ojos de su entorno.

"Nueve cartas a Berta" es una película intimista en su máxima expresión, todo lo que se muestra pasa por el filtro de Lorenzo, por su mundo interior y la percepción que tiene de todo aquello que le rodea, un entorno y unos momentos que escribe a su amada Berta y que escuchamos por medio de una fabulosa voz en off presente durante todo el metraje. El gran acierto de esa voz en off es no describir todo aquello que ya estamos viendo cómo ocurre en tantas películas que parecen tener una voz cuya única utilidad es la de acompañar al espectador en todo momento, no vaya a ser que se pierda y llegue a pensar algo que no se corresponda con lo que quería el guionista. En esta ocasión la voz en off complementa a la imagen, nos descubre cómo ve Lorenzo aquellas escenas y situaciones que van sucediendo.

Me ha parecido muy curiosa la estructura por capítulos no temporales, sino conceptuales, algo similar a lo que se puede ver en muchas de las películas de Godard.

El montaje en general es muy interesante, se detiene la imagen constantemente mostrando fotogramas que quedan cómo hermosos instantes poéticos de gran belleza dentro de ese mundo frío y fatigoso. Destacaría especialmente un momento en el que si bien no se detiene la imagen sí que parece detenerse el mundo por completo, la maravillosa escena en la que una vieja se hace unas trenzas muy lentamente mientras el sol le ilumina la cara, instante que uno puede asociar a esa mujer décadas atrás jugando con su pelo durante su niñez.

La película tiene sus altibajos, pero la verdad es que sus virtudes compensan todos sus defectos. Muy buena película. 7/10

sábado, 7 de junio de 2014

Masculino, femenino [Masculin, féminin: 15 faits précis] (Jean-Luc Godard, 1966)

"Paul es un joven idealista que acaba de terminar el servicio militar. Conoce a Madeleine, una joven atractiva que aspira a ser cantante pop, y trata de conquistarla. Ambos salen juntos y terminan juntos en la cama, aunque con dos amigas de Madeleine, Elisabeth y Catherine." (Filmaffinity)

Sigo con otra película del año 1966 al que dedicaré los próximos premios, "Masculino, femenino", del inimitable Godard, para mí uno de los más grandes directores que ha dado el cine, director con el que no comparto algunas opiniones o códigos, pero que siempre respeto y aprecio por exponerlas con la enorme seguridad y el convencimiento de saber que domina el lenguaje cinematográfico a la perfección.

El único "pero" que tiene esta película es Jean-Pierre Léaud, un personaje que individualmente es cargante, pero cuya labor para la película es fundamental. El problema que le veo a su personaje es que mezcla la actitud excéntrica e hiperactiva del Doinel de las obras de Truffaut con una especie de gracia y encanto Belmondianos que no le encaja y le convierte por momentos en un clown histriónico. Pero cómo ocurre en casi cualquier obra de Godard el personaje principal es Godard, su mirada curiosa utiliza a Léaud como un periodista que pregunta mediante larguísimos cuestionarios todo aquello que Godard quiere saber sobre los pensamientos y la vida de la juventud francesa de la época.

En el fondo eso es esta película, un estudio sociológico con una carga de profundidad, belleza y poesía inalcanzables para un documental, ya que esa mezcla de ficción y realidad le dan la posibilidad de crear personajes y situaciones a la medida de sus intenciones.

Una película excelente, con una gran frescura, ingenio y lucidez, y cómo no, ese montaje que tantos quieren imitar y que fracasan terriblemente al abordarlo desde un punto de vista puramente efectista de campaña de publicidad, olvidando todo el fondo y contenido detrás de esa manera de montar una película.

Imprescindible, puro cine, se podrían decir tantas cosas de sus películas, de su enorme riqueza, de sus matices y de la enorme cantidad de pensamientos e interpretaciones que despiertan... 8/10
Incluída en los "Premios Luces difusas (1965-1969)" (curiosamente ni siquiera la he nominado en mejor montaje, la calidad de las películas de ese lustro daría para ocupar cada categoría con quince nominaciones en lugar de cinco).

jueves, 5 de junio de 2014

La mujer del lago [女のみづうみ] (Yoshishige Yoshida, 1966)

"Miyako está casada con un hombre de negocios centrado exclusivamente en su trabajo.
Para olvidar su soledad acude de vez en cuando a un hotel para encontrarse con Kitano, su amante. En uno de sus encuentros Kitano le propone fotografiarla desnuda, Miyako accede con la condición de guardar los negativos. Esa misma noche de camino a casa un hombre le roba los negativos. Una vez en su domicilio recibe la llamada de ese hombre que le cita en un pueblo costero para recuperar los negativos."

Hace tiempo que quería iniciarme en la filmografía de Yoshishige Yoshida, del que hasta ahora tan solo ví su cortometraje para el proyecto "Lumière y compañía", para mi gusto uno de los tres mejores de los cuarenta que forman esa película.

Es difícil hablar de "La mujer del lago"; antes de escribir la entrada me hubiese gustado leer la novela original escrita por Yasunari Kawabata; primero porque seguramente sea maravillosa, y segundo porque creo que enriquecería bastante la película e incluso poder darle un segundo visionado contando con nuevas claves.

El cine japonés (y europeo) de los años 60 me fascina, en mi opinión la década más interesante de la historia del cine, por movimientos como la nouvelle vague, la nuberu vagu japonesa, el auge del cine artístico y experimental, además de cientos de películas y directores maravillosos. La estética y la fotografía de esa época, el maravilloso blanco y negro del cine japonés, del cine de Bergman, los colores de Godard, la libertad creativa... en fin, tantas cosas. Siento un enorme amor por el cine asiático de los 90, pero el marco global y los cambios que se propusieron en los 60 convierten esos años en algo único.

"La mujer del lago" no está producida por el estudio Art Theatre Guild (artículo en inglés muy completo sobre este estudio mítico que marcó un antes y un después en el cine japonés), ya que comenzó a producir sus propias películas tres años después, pero encaja perfectamente con ese sello. Cómo he dicho no he visto nada más de Yoshida, pero parece que dirigió varias películas en la ATG. Es muy llamativo cómo diferentes directores que trabajaron para ese estudio comparten tantas similitudes. Por un lado tenemos la escena de cama con la que comienza esta película, practicamente idéntica a la de la posterior "Funeral parade of roses" de Toshio Matsumoto, planos detalle de partes del cuerpo de los amantes en un blanco y negro dominado por el blanco y los grises claros en un silencio absoluto que más adelante se rompe con unos sutíles acordes; una playa retratada con una belleza extraordinaria que recuerda a la playa de "Dear summer sister" de Oshima o todos esos planos que tanta importancia dan a la arena igual que en "La mujer de la arena" de Teshigahara.

Por encima de todo lo que todas ellas comparten es una apartado formal de otro mundo, una planificación y una fotografía absolutamente maravillosas, siento auténtico placer viendo películas como ésta que enlazan planos prodigiosos uno detrás de otro.

Me da la sensación de que me he perdido algo de lo que se cuenta, por eso comentaba que me gustaría haber leído la novela de Kawabata, ya que no sé si realmente la trama es tan sencilla como parece o si existe algo detrás de esta pequeña historia.

Por último decir que no me convence la entrada, no tengo la misma facilidad que tenía hace unos años a la hora de escribir y expresar lo que me sugiere y me hace sentir una película, pero bueno, supongo que será la falta de practica y costumbre, en los últimos dos años no habré escrito más de cincuenta entradas cuando durante los dos primeros años fueron más de 600. Por suerte sigo apreciando el cine con la misma complejidad y pasión que antes, así que supongo que con el tiempo volveré a sentir que escribo lo que realmente pretendo sin quedarme a medio camino.

Una película maravillosa, muy placentera y especial. 9/10

Incluida en los "Premios Luces difusas (1965-1969)".
Ficha en la AsiatecaDB

martes, 27 de mayo de 2014

Cuerpo y alma [Body and soul] (Robert Rossen, 1947)

"Charlie Davis es un chico de familia humilde que aspira a conseguir la fama en el mundo del boxeo. Aunque su madre y su novia desaprueban su decisión, Charlie se asocia con Robert, un promotor de combates de boxeo, y va perdiendo los escrúpulos poco a poco, llegando a dejarse vencer en un combate amañado." (Filmaffinity)

Tercera película que veo de Robert Rossen tras "Lilith" y "El buscavidas".

No sabía nada sobre su declaración para el Macarthismo y la verdad es que me he llevado una decepción, tampoco puedo juzgarle porque no conozco los detalles ni la situación en la que se encontró, pero me llama bastante la atención este tema, ya que la obra de Rossen (o lo que conozco de ella) es uno de los retratos más crudos y desoladores sobre la fragilidad del individuo frente a los poderosos.
Es cierto que se dice que la obra no tiene porqué tener que ver con el pensamiento de su autor. Una opinión que no comparto, en mi opinión en el cine y la literatura no puede darse esa disociación tan facilmente; en la pintura y la música es más fácil que el autor y su obra vayan por caminos diferentes, en esas dos disciplinas la forma suele tapar al fondo, la música se valora primero por su melodía y su ritmo o por lo que te hace sentir, igual que un cuadro puede tener un gran discurso o una intención muy concreta pero difícil de percibir sin analizarla exhaustivamente, se recurre a simbolos, no al discurso y modelo ensayístico del que gozan el cine o la literatura.

Bueno, "Cuerpo y alma" es una extraordinaria película sobre el mundo del boxeo, sobre cómo lo vive el boxeador y cómo lo ven aquellos que viven de los boxeadores para crear su negocio.
Yo soy un aficionado al boxeo, es un tema delicado y no es facil explicar mi opinión sobre los males y los beneficios de este deporte. Creo que el boxeo en si mismo es bueno, pero el entorno que lo rodea está podrido (cómo se puede ver en esta película). Conozco personalmente a muchos chicos cuyo futuro era estar presos o en el mundo de la droga y que gracias al boxeo cambiaron sus amistades y su manera de vivir por estar centrados en ir al gimnasio y entrenar. Entiendo que un padre o una madre cómo aquí ocurre prefieren que su hijo decida hacer otras cosas, no es plato de buen gusto saber que todas las tardes tu hijo va al gimnasio a pegarse con otros chicos. El tema es que creo que hay que ir más a fondo y ver cual es el origen y las circunstancias de estos chicos para ver que de todas las alternativas que tiene en su mano el boxeo es la menos mala. El boxeo generalmente es un deporte de chavales que se han criado en la calle, es imposible hacer que se interesen de buenas a primeras por leer o ir a clase, el boxeo sí que es algo que puede interesarles ya que muchos lo viven en su día a día. Pero lo viven en la calle, llevan años con peleas que pueden acabar con apuñalamientos, con tipos de treinta años que espera en el portal de un chaval de 15 años para matarle porque debe diez euros a su sobrino, o chicos que viven a base de trankimazines por la angustia que tienen de saber que cualquier día se encontrarán con alguno que les está buscando.
Por eso creo que el boxeo es un bien para un sector de la sociedad, se convierte en una pasión para esos chicos que poco a poco se centran cada vez más en entrenar, sirviéndoles cómo excusa para dejar las drogas porque quieren engordar y estar fuertes, o dejar de fumar para poder aguantar más tiempo sin ahogarse.
Se despiertan temprano, empiezan a relacionarse más con sus padres y dejan de quedar con sus antiguas amistades y a estar todo el día en la calle porque les distrae en eso que ahora tanto les interesa. Por eso decía que en eso el boxeo es muy bueno, porque aunque quizás no sea algo genial en si mismo sí que les propone un cambio muchísimo mejor que la vida que llevaban antes.

Pero cómo aquí se ve después entra el tema de los representantes y todas esas influencias que sí son malas y pervierten terriblemente al boxeo en su raíz, un mundo oscuro y sin escrúpulos que destroza todos esos valores que ganaron los boxeadores en su etapa amateur.
En "Cuerpo y alma" los boxeadores son las víctimas de estos representantes, Charlie por su inconsciencia y su obsesión por el dinero que le hace olvidar de dónde venía y lo que buscaba con el boxeo, y después Ben (el boxeador negro), maravilloso personaje interpretado por Canada Lee, un hombre con una gran dignidad y bondad al que "mata" el representante de Charlie y que sirve de ejemplo a Charlie para poder recuperar esa nobleza casi perdida en el magnífico giro final de la película.

Una joya, excelente película en todos los aspectos.
Olvidé añadirla a los "Premios Luces difusas (1945-1949)". Nominada en bastantes categorías y ganadora en mejor montaje. 9/10